Alex Katz

  

Alex Katz (1927 -) nasceu no Brooklyn, Nova York. Em 1928 a família mudou-se para St. Albans, Queens. De 1946 a 1949, ele estudou na Cooper Union em Nova York e, em 1949-1950, estudou na Escola Skowhegan de Pintura e Escultura em Skowhegan, Maine.
Katz admitiu a destruição de mil pinturas durante seus primeiros dez anos como pintor, a fim de encontrar seu estilo. Desde 1950, ele trabalhou para criar uma arte mais livre. Ele tentou pintar "mais rápido do que podia pensar". Suas obras parecem simples, mas de acordo com Katz, elas são reduzidas, o que seria mais adequado à sua personalidade.
Katz é bem conhecido por suas pinturas de grande porte, cuja ousada simplicidade e cores intensificadas agora são vistas como precursoras do  Pop Art. Suas pinturas são definidas por sua planicidade de cor e forma, sua economia de linha e um sedutor desapego emocional. A principal fonte de inspiração são as xilogravuras produzidas pelo artista japonês Kitagawa Utamaro.
A partir dos anos 1950, ele desenvolveu uma técnica de pintura em painéis de corte em madeira e alumínio, chamando-os "recortes".

"Samantha, Joey and Yolanda Kluge," 1976

Alex Katz em seu estúdio

As pinturas de Katz são divididas quase igualmente nos gêneros de retrato e paisagem. Desde 1960 ele pintou pontos de vista de Nova York e as paisagens do Maine, onde passa vários meses por ano, bem como retratos de membros da família, artistas, escritores e protagonistas da sociedade de Nova York. 
No início dos anos 1960, influenciado por filmes, televisão, publicidade e outdoors, Katz começou a pintar em grande escala, muitas vezes com rostos drasticamente cortados. Ada Katz, com quem se casou em 1958, tem sido objeto de inúmeros retratos ao longo de sua carreira.
Depois de 1964, Katz dedicou-se mais a retratar grandes grupos de figuras, e continuou a pintar esses grupos complexos até 1970, retratando o mundo social de pintores, poetas, críticos e outros colegas que o cercavam. Ele começou a desenhar cenários e figurinos para coreógrafo Paul Taylor em 1960, e  pintou muitas imagens de dançarinos ao longo dos anos. One Up Vôo (1968) consiste em mais de 30 retratos de alguns destacados nomes da intelectualidade de Nova York durante o final dos anos 1960, 
Em 1965, Katz também embarcou em uma carreira prolífica em gravura.  Ele passou a produzir muitas edições em litografia, gravura, serigrafia, xilogravura e linóleo. Mais de 400 edições já foram impressas ao longo de sua vida.
O trabalho de Katz está nas coleções de mais de 100 instituições públicas em todo o mundo, incluindo o Museu de Arte de Honolulu; o Museu de Arte Moderna, Nova York; o Metropolitan Museum of Art, Nova York; o Whitney Museum of American Art, Nova York; o Smithsonian Institution, Washington, DC; o Carnegie Museum of Art; o Art Institute of Chicago; o Cleveland Museum of Art; a Tate Gallery, Londres; o Centre Georges Pompidou, Paris; o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; o Metropolitan Museum of Art, Tóquio; o Nationalgalerie, Berlim; e o Museu Brandhorst, Munique.
Em 2010, Anthony d'Offay doou um grupo de obras de Katz para as Galerias Nacionais da Escócia e Tate.
Em junho passado, Katz completou 85 anos. 

Homage to Frank O'Hara: William Dunas, 1972

Blue Umbrella, 1979

Sunset: Lake Wesserunsett 4, 1972

Berthe Morisot

Berthe Morisot, por Édouard Manet

Berthe Morisot (1841 - 1895) foi uma pintora impressionista francesa.
Iniciou a sua formação com os mestres Chocarne-Moreau e Guichard e prosseguiu sob a tutela do pintor Corot. Também teve aulas de escultura com Millet. No ano de 1863 começou a pintar ao ar livre em Pontoise, onde conheceu os pintores Daubigny e Daumier. A esse período de intensa aprendizagem seguiram-se viagens pela Espanha e Inglaterra. Depois de conhecer Manet, posou para ele como modelo e apaixonou-se por Eugênio, irmão do pintor, com quem se casou. Depois de participar da primeira exposição dos impressionistas, em 1874, a pintora iniciou uma série de viagens de estudo pela Itália, Países Baixos e Bélgica. Suas obras foram apresentadas em 1886 em Nova Iorque, e um ano mais tarde na Exposição Internacional de Paris. A obra de Berthe Morisot representa uma reflexão afirmativa da obra de Manet, embora com pinceladas mais longas e suaves, com tendência para a verticalização, numa tentativa de organizar a composição.




A primeira aparição de Morisot no Salon de Paris veio com a idade de 23 anos em 1864, com a aceitação de duas pinturas. Ela continuou a se apresentar regularmente no Salão, com opiniões favoráveis, até 1873, um ano antes da primeira exposição impressionista.
Em 1874, Morisot casada com o irmão de Manet, Eugene, tiveram uma filha, Julie. Julie Manet se tornou o assunto para muitas das pinturas de sua mãe e um livro de suas memórias: O Diário de Julie Manet, publicado em 1987.
Como impressionista doutrinária, bem como um membro da alta burguesia, Morisot pintou o que ela experimentou em sua vida diária. Ela evitou cenas urbanas e de rua, bem como a figura nua e, como sua colega impressionista Mary Cassatt, focou na vida doméstica e em retratos em que ela poderia usar a família e amigos pessoais como modelos. Pinturas como The Cradle (1872), na qual ela representa tendências atuais para mobília do berçário, refletem sua sensibilidade para moda e publicidade.  Seus trabalhos também incluem paisagens, retratos, configurações de jardim e cenas de barco.

Hanging the Laundry out to Dry, 1875

On The Veranda

Eugene Manet and His Daughter at Bougival, 1881

Carl Larsson

Brita e Eu, auto-retrato com uma das filhas (1895)

Carl Larsson nasceu em Gamla Stan, uma antiga região de Estocolmo, em 28 de maio de 1853. Sua família era muito pobre e Carl cresceu em tristes circunstâncias. O único brilho de esperança era seu forte talento artístico, que apareceu mais tarde em sua vida. Quando ele tinha treze anos seu professor o convenceu a tentar uma vaga na Principskolan, um departamento temporário da Academia de Arte. Durante os primeiros anos na Principskolan, Carl encontrou dificuldade de adaptação. Seu senso de inferioridade social o fez sentir um estranho. Mas quando tinha dezesseis anos, ele foi transferido para uma escola antiga, o mais simples departamento da Academia de Arte. Ele começou a sentir-se mais confiante e não demorou para que se tornasse uma das figuras centrais do círculo de estudantes.
Depois da Academia de Arte, Carl trabalhou na ilustração de livros, revistas e jornais diários. Ele também gastou muitos anos em Paris onde tentou se manter como um artista, mas apesar de todo o seu duro trabalho nunca encontrou sucesso. A reviravolta veio em 1882 quando ele se mudou para Grez, uma colônia escandinava de artistas fora de Paris. E foi lá que ele conheceu sua futura esposa Karin Bergöö e onde houve uma transformação artística, depois de abandonar suas pretensões de pintura a óleo em favor da aquarela – uma mudança de sorte que significaria muito no seu desenvolvimento artístico. E foi em Grez que ele pintou algum de seus trabalhos mais significantes.
Carl e Karin se casaram em 1883 e tiveram oito filhos (um deles morreu com dois meses). Karin e seus filhos tornaram-se rapidamente os modelos favoritos de Carl.
O pai de Karin, Adolf Bergöö, deu a casa Lilla Hyttnäs para Carl e Karin em 1888. O minúsculo chalé de madeira, que foi construído em 1837, tornou-se o centro artístico do pintor. Lilla Hyttnäs, localizado em Sundborn, manteve-se na família Larsson por gerações é agora administrada pela família legítima de Carl e Karin Larsson.

 Larsson ficou famoso por suas pinturas em aquarela, especialmente a coleção de 26 aquarelas encontradas em seu livro Ett Hem (Uma Casa) de 1899, as 32 em seu livro Larssons (Os Larssons) de 1902, e as 31 em seu livro Åt solsidan (O Lado Ensolarado) – todos eles ilustrando a vida simples do campo de sua família e tendo uma enorme influência no design de interior sueco para as gerações seguintes. A seguir algumas dessas aquarelas:

Morteza Katouzian

Morteza Katouzian nasceu em 1943 em uma família de classe média de Teerã. Tragicamente, Katouzian perdeu o pai aos sete anos de idade, deixando-o aos cuidados de sua mãe e irmão mais velho, na época um estudante de direito do segundo ano. Sem nenhum treinamento formal, ferramentas especiais ou incentivo, fora o constante apoio de sua família, Katouzian passou seu tempo livre desenhando e pintando, lentamente, aprimorando seu talento na solidão. "Quando mostrei minhas pinturas na escola, os professores se recusaram a acreditar que eram as minhas obras originais", declarou Katouzian. Mais tarde, ele começou a trabalhar em uma oficina de pintura local, acabou emergindo como um dos talentos da escola de arte contemporânea iraniana. 

Quatro livros de pinturas de Katouzian já foram publicados e muitos de seus trabalhos foram apresentados como posters. Cinco de suas pinturas estão no Museu de Arte Contemporânea de Teerã, e um grande número delas, nas coleções de iranianos e estrangeiros em diferentes países. 

Um dos fundadores do sindicato dos artistas gráficos nos anos que antecederam a revolução, Katouziane coordenou o conselho por 2 anos. Durante uma de suas exposições - 2008 - com mais de 94 obras, em uma cerimônia magnifíca, ele foi premiado com a citação da UNESCO em relação aos seus 50 anos de atividades no campo da pintura e seus 30 anos de ensino a juventude iraniana. Durante os últimos anos, ele participou de várias exposições coletivas e realizou 4 exposições individuais.

"Eu nunca poderia parar de pintar, o meu coração é como um espelho, refletindo a realidade do mundo circundante."

 Morteza Katouzian website

David Hockney

David Hockney é um pintor, cenógrafo, fotógrafo e gravador britânico.

O artista estudou, entre 1959 e 1962, no Royal College of Art de Londres. Em 1964, muda-se para a Califórnia, nos Estados Unidos, onde se fixaria definitivamente.

Realizando, além de pinturas, gravuras, desenhos e fotografias, também cenografias para o teatro, o artista participou da Bienal de São Paulo (1989) e teve uma exposição retrospectiva dos seus desenhos na Royal Academy de Londres (1995-96).

Em 2001, Hockney lançou seu polêmico livro, Conhecimento Secreto, sobre os procedimentos técnicos da pintura figurativa ocidental. Observador perspicaz e profundo conhecedor de arte, ele acredita que, no passado, diversos pintores utilizaram objetos ópticos para solucionar suas obras. 

"Conhecimento Secreto", causou tanto tumulto entre os historiadores de arte que a Universidade de Nova York convidou uma seleção mundial deles para se degladiar com Hockney.
Em seu livro, ele salienta que era vastamente sabido desde a antiguidade que quando a luz passa por um pequeno orifício para uma área delimitada e escura, uma imagem invertida do exterior aparece na parede oposta ao orifício. Era a chamada câmera escura, tataravó da fotografia.
Tendo esse tipo de experiência como base, artistas já do século 15 fizeram, para Hockney, projeções dos modelos de suas pinturas usando espelhos côncavos.
 

Conhecimento Secreto - David Hockney

Um dos mais importantes artistas vivos, David Hockney iniciou-se dentro do movimento da PopArt, destacando-se no panorama da arte inglesa dos anos 60 com imagens irônicas e corrosivas.

Dono de uma figuração de índole por vezes algo abstrata, em retratos, naturezas mortas, paisagens e cenas de interiores trabalhadas através das mais variadas técnicas - acrílica sobre tela, óleo sobre tela, fotografia, gravura, colagem e arte digital, David Hockney revela sempre em suas obras um extraordinário domínio gráfico.

 

Biografia completa do artista: David Hockney website

Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)

1971

Mr and Mrs Clark and Percy
1970  

M. C. Escher

Maurits Cornelis Escher, nasceu em Leeuwarden na Holanda em 1898 como o quarto filho mais jovem  de um engenheiro civil. Após 5 anos, a família mudou-se para Arnhem, onde Escher passou a maior parte de sua juventude. Não foi um aluno brilhante, nem sequer manifestava grande interesse pelos estudos, mas  seus pais conseguiram convencê-lo a ingressar na Escola de Belas Artes de Haarlem para estudar arquitetura. Foi lá que conheceu o seu mestre, um professor de Artes Gráficas judeu de origem portuguesa, chamado Jesserum de Mesquita. Com o professor Mesquita, Escher aprendeu muito, conheceu as técnicas de desenho e deixou-se fascinar pela arte da gravura. Este fascínio foi tão forte que levou Maurits a abandonar a Arquitetura e a seguir as Artes Gráficas. Depois de terminar a escola, ele viajou pela Itália, onde conheceu sua esposa Jetta Umiker, com quem se casou em 1924. Eles se estabeleceram em Roma, onde permaneceu até 1935. Durante estes 11 anos, Escher viajou por toda a Itália e dedicou-se exclusivamente ao trabalho gráfico. Muitos destes esboços ele usaria mais tarde para diversas litografias e / ou xilogravuras e gravuras em madeira.

Mais tarde, por razões políticas muda-se para a Suíça, posteriormente para a Bélgica e em 1941 regressa ao seu país natal. Estas passagens por diferentes sítios, por diferentes culturas, inspiraram a mente de Escher, principalmente a passagem por Alhambra, em Granada, onde conheceu os azulejos mouros. Este contato com a arte árabe está na base do interesse e da paixão de Escher pela divisão regular do plano em figuras geométricas que se transfiguram, se repetem e refletem, pelas pavimentações. Porém, no preenchimento de superfícies, Escher substituía as figuras abstrato-geométricas, usadas pelos árabes, por figuras concretas, perceptíveis e existentes na natureza, como pássaros, peixes, pessoas, répteis, etc. Escher, sem conhecimento matemático prévio mas através do estudo sistemático e da experimentação, descobre todos os diferentes grupos de combinações isométricas que deixam um determinado ornamento invariante. A reflexão é brilhantemente utilizada na xilografia "Day and Night", uma das gravuras mais emblemáticas da carreira de Escher. 
M.C. Escher, durante sua vida, fez 448 litografias, xilogravuras e gravuras em madeira e mais de 2000 desenhos e esboços. Como alguns dos seus antecessores famosos, - Michelangelo, Leonardo da Vinci, Dürer e Holbein, M.C. Escher era canhoto.

Além de ser um artista gráfico e ilustrador, M.C. Escher criou projetos para tapeçarias, selos postais e murais. Sua arte continua a surpreender e conserva a admiração de milhões de pessoas em todo o mundo. Em seu trabalho, reconhecemos uma minuciosa observação do mundo que nos rodeia e as expressões de suas próprias fantasias. M.C. Escher mostra-nos que a realidade é maravilhosa, compreensível e fascinante.

Wenceslaus Hollar

Hollar nasceu em 1607, filho de um funcionário de classe média alta cívica. Muito pouco se sabe sobre sua vida, mas ele provavelmente aprendeu os rudimentos da sua arte com aproximadamente dezoito anos. Deixou sua cidade natal Praga com a idade de vinte anos, e estudou em Frankfurt com Matthaus Merian. Seu primeiro livro de gravuras foi publicado em 1635, em Colônia, quando Hollar tinha 28 anos. No ano seguinte ele chamou a atenção do colecionador de arte de renome, o conde de Arundel, que estava fazendo uma visita oficial ao continente, e Hollar posteriormente se tornou parte de sua família, instalando-se na Inglaterra no início de 1637. Ele permaneceu na Inglaterra durante o início do período da Guerra Civil Inglês, mas saiu de Londres para Antuérpia, em 1642, onde continuou a trabalhar em uma variedade de projetos. Em 1652 ele retornou à Inglaterra, trabalhando em uma série de grandes projetos para o editor John Ogilby e para o antiquário Sir William Dugdale. Hollar estava em Londres durante o Grande Incêndio de 1666, e suas cenas da cidade antes e depois do fogo são famosas até os dias de hoje. Ele foi um dos mais qualificados gravuristas de seu tempo, o que é ainda mais notável dado que ele estava quase cego de um olho. Hollar morreu em Londres em 25 de Março 1677. Ao fim de sua vida, ele produziu em torno de 2700 gravuras em separado, que incluem vistas, retratos, navios, temas religiosos, temas heráldicos, paisagens, e ainda a vida de muitas formas diferentes. Seus desenhos arquitetônicos, como as de Antuérpia e catedrais Strassburg e suas visões de cidades, estão em escala, mas servem também como fotos. Ele reproduziu obras decorativas de outros artistas, como no cálice famoso após Mantegna.

Coleções quase completas de trabalho de Hollar são mantidas no Museu Britânico e na sala de impressão no Castelo de Windsor.  A obra foi primeiramente catalogada em 1745 (2 ª ed. 1759) por George Vertue. As estampas foram posteriormente catalogadas em 1853 por Gustav Parthey e em 1982 por Richard Pennington. Um novo catálogo ilustrado completo foi publicado na série New German Hollstein. Muito de seu trabalho está disponível online a partir da Universidade de Toronto em sua coleção digital Hollar Venceslau.

Wenceslaus Hollar Coleção online

Os deuses gregos: Ceres - Mitologia Clássica

Esfinge com dois corpos - Mitologia Clássica

William Turner

Dido building Carthage; or the Rise of the Carthaginian Empire
1815; Oil on canvas, 155.5 x 232 cm; National Gallery, London

Ulysses deriding Polyphemus - Homer's Odyssey
1829; Oil on canvas, 132.5 x 203 cm; National Gallery, London 

S. Giorgio Maggiore: Early Morning
1819; Watercolor, 22.4 x 28.7 cm; Tate Gallery, London 

 

Staffa, Fingal's Cave
1832; Oil on canvas, 90.9 x 121.4 cm; Yale Center for British Art, New Haven 

The Grand Canal, Venice
1835; Oil on canvas, 91.4 x 122.2 cm; The Metropolitan Museum of Art, New York 

O site dos Surrealistas

Neste site você vai encontrar toda uma gama de idéias e informações sobre Surrealismo. O movimento é explicado junto com alguns trechos do manifesto original. Existe a oportunidade de discutir o surrealismo no fórum e apresentar sua opinião sobre cada pintura lá exposta. 

Galeria e biografia disponível.

 The Surrealists Website 

Tavik František Šimon

Excelente portal  sobre a vida e a obra do grande pintor tcheco – T. Frantisek Simon (François Simon), nascido em 1877, em Zeleznice, na Boêmia então parte do Império Austro-Húngaro. Simon viajou muito pela Europa, viveu e trabalhou em Paris antes da Grande Guerra. Faleceu em Praga no ano de 1942.

A sua obra praticamente esquecida na sua terra natal durante o regime comunista, só agora volta a ser falada e divulgada. F. Simon dedicou-se à pintura, ao desenho e à gravura. No portal que lhe é dedicado podemos ver uma parte da sua obra multifacetada, a sua biografia ilustrada e bibliografia.


Abaixo, alguns trabalhos do artista, destacando as sensacionais 'comparações' - foto - gravura, disponíveis na íntegra AQUI.

T. F. Šimon: "A sunny Day at the Beach", 1909, oil on canvas.

 At the Circus in Paris

 Sous le Parasole

  Beach in Le Portel

 Porte Saint-Martin, Paris 

 Evening Festival, Paris

  Early Morning in Paris

Pont Marie, Paris

 Oxford Circus

1938, The White Tower in Klatovy -- 2008

 1914. Litomyšl in winter -- 2007

1903, Certovka, Prague --  2006

1917, Charles Bridge and Hradcany in Winter --  2007 

  1921, Stone Bridge, Prague III --  2007 

  1922, Saint Nicolas Market, Prague  --  2009

1924, Staro Mestske Namesti in Winter  -- 2009

    1926, The stairs of the Castle in Winter -- 2009

  1932, Tynn Church in the Morning  --  2007

1936, View from the square onto the church in Slany  --  2007

  1909, Communicants on the steps of La Madeleine, Paris  --  2008

 1911, La Sainte Chapelle, Paris  --  2008

 1912, Facade of Notre-Dame de Paris --  2008

1914, Place Maubert, Paris  -- 2008

 1914, Place Maubert, Paris  --  2008

  1916, Jardin du Luxembourg  --  2008

1922, Antiquarian Booksellers at Notre-Dame de Paris  --  2008

1922, Porte Saint-Denis, Paris  --  2008

1932, Arc de Triomphe, Paris  --  2008

 1933, Arco Tito on the Forum, Rome  --  2008

 1913, Old Canal.Amsterdam -- 2007