Autorretratos

Esta coleção reúne autorretratos de alguns dos mais importantes e influentes artistas da história.

Edward Hopper

 Claude Monet

 Carl Larsson

Henri Matisse

Joseph Zbukvic

Joseph Zbukvic começou seu trabalho em pintura no ano de 1978 e rapidamente tornou-se um artista muito conhecido na Austrália. Nascido na Croácia, ele imigrou para a Austrália em 1978, aos 18 anos, e desde então já conquistou mais de 200 premiações relacionadas à pintura e realizou mais de 40 exposições em cidades como Londres, Adelaide, Melbourne, San Antonio e Sydney. Joseph é membro da Sociedade Vitoriana de Aquarela, da qual já foi presidente entre 1991 e 1994. Ele também é membro do Instituto Australiano de Aquarela e da Sociedade Artística de Melbourne. Além disso, leciona na Charles Sturt University e na Mitchell School of Arts. 

Joseph, dono de talento e técnica apurada, possui a capacidade de criar e transmitir uma atmosfera mágica em suas aquarelas.

Joseph Zbukvic's Website
  

Grandes artistas em seus estúdios

Uma série de fotografias mostrando grandes mestres das artes plásticas em seus locais de trabalho.

Norman Rockwell

Alexander Calder

 Alphonse Mucha

Frida Kahlo

Joe Fig

Quando vemos o trabalho de um artista, é incrível pensar sobre todos os detalhes que compõem seu processo criativo, desde os materiais corretos até o trabalho de produção. Logo, qual a melhor forma de conhecer o trabalho de um artista, senão conhecendo seu estúdio de criação? Esse é o pensamento do artista americano Joe Fig, que desenvolveu miniaturas mostrando diversos artistas em seus locais de trabalho.

 Joe Fig's website

Jackson Pollock

Brancusi

Willem de Kooning

 Matthew Ritchie

Alex Katz

  

Alex Katz (1927 -) nasceu no Brooklyn, Nova York. Em 1928 a família mudou-se para St. Albans, Queens. De 1946 a 1949, ele estudou na Cooper Union em Nova York e, em 1949-1950, estudou na Escola Skowhegan de Pintura e Escultura em Skowhegan, Maine.
Katz admitiu a destruição de mil pinturas durante seus primeiros dez anos como pintor, a fim de encontrar seu estilo. Desde 1950, ele trabalhou para criar uma arte mais livre. Ele tentou pintar "mais rápido do que podia pensar". Suas obras parecem simples, mas de acordo com Katz, elas são reduzidas, o que seria mais adequado à sua personalidade.
Katz é bem conhecido por suas pinturas de grande porte, cuja ousada simplicidade e cores intensificadas agora são vistas como precursoras do  Pop Art. Suas pinturas são definidas por sua planicidade de cor e forma, sua economia de linha e um sedutor desapego emocional. A principal fonte de inspiração são as xilogravuras produzidas pelo artista japonês Kitagawa Utamaro.
A partir dos anos 1950, ele desenvolveu uma técnica de pintura em painéis de corte em madeira e alumínio, chamando-os "recortes".

"Samantha, Joey and Yolanda Kluge," 1976

Alex Katz em seu estúdio

As pinturas de Katz são divididas quase igualmente nos gêneros de retrato e paisagem. Desde 1960 ele pintou pontos de vista de Nova York e as paisagens do Maine, onde passa vários meses por ano, bem como retratos de membros da família, artistas, escritores e protagonistas da sociedade de Nova York. 
No início dos anos 1960, influenciado por filmes, televisão, publicidade e outdoors, Katz começou a pintar em grande escala, muitas vezes com rostos drasticamente cortados. Ada Katz, com quem se casou em 1958, tem sido objeto de inúmeros retratos ao longo de sua carreira.
Depois de 1964, Katz dedicou-se mais a retratar grandes grupos de figuras, e continuou a pintar esses grupos complexos até 1970, retratando o mundo social de pintores, poetas, críticos e outros colegas que o cercavam. Ele começou a desenhar cenários e figurinos para coreógrafo Paul Taylor em 1960, e  pintou muitas imagens de dançarinos ao longo dos anos. One Up Vôo (1968) consiste em mais de 30 retratos de alguns destacados nomes da intelectualidade de Nova York durante o final dos anos 1960, 
Em 1965, Katz também embarcou em uma carreira prolífica em gravura.  Ele passou a produzir muitas edições em litografia, gravura, serigrafia, xilogravura e linóleo. Mais de 400 edições já foram impressas ao longo de sua vida.
O trabalho de Katz está nas coleções de mais de 100 instituições públicas em todo o mundo, incluindo o Museu de Arte de Honolulu; o Museu de Arte Moderna, Nova York; o Metropolitan Museum of Art, Nova York; o Whitney Museum of American Art, Nova York; o Smithsonian Institution, Washington, DC; o Carnegie Museum of Art; o Art Institute of Chicago; o Cleveland Museum of Art; a Tate Gallery, Londres; o Centre Georges Pompidou, Paris; o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; o Metropolitan Museum of Art, Tóquio; o Nationalgalerie, Berlim; e o Museu Brandhorst, Munique.
Em 2010, Anthony d'Offay doou um grupo de obras de Katz para as Galerias Nacionais da Escócia e Tate.
Em junho passado, Katz completou 85 anos. 

Homage to Frank O'Hara: William Dunas, 1972

Blue Umbrella, 1979

Sunset: Lake Wesserunsett 4, 1972

Valériane Leblond

Valériane Leblond é uma artista francesa que vive em Gales. Leblond pinta quase sempre em pedaços de madeira e desenha de forma adorável, paisagens rurais, povos costeiros e seus costumes.
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Alex Colville

Alex Colville em 1945

David Alexander Colville (Toronto, 24 de agosto de 1920) é um pintor, desenhista, gravador e muralista canadense.
A famí­lia de Colville mudou de Toronto para Amherst, Nova Escócia em 1929. Ele estudou na Mount Allison University de 1938 a 1942, obtendo bacharelado em Artes. Colville casou-se com Rhoda Wright naquele ano e se juntou ao Exército sendo nomeado artista de guerra. Durante seus quatro anos de serviço na Europa, Colville foi um dos artistas de guerra canadenses mais famosos. Ele pintou, entre outros, o desembarque em Juno Beach durante o O Dia D. 
Colville retornou a Nova Brunswick após a guerra e tornou-se membro da Faculdade de Artes da Universidade Mount Allison, onde lecionou de 1946 a 1963. Colville deixou o ensino para se dedicar à pintura e à gravura em tempo integral em um estúdio em sua casa em New York Street, este edifício é agora chamado Colville House.
Em 1973, mudou-se para Wolfville, Nova Escócia, cidade natal de sua esposa, vivendo na casa construída pelo pai dela. O casal Colville tem três filhos, uma filha e oito netos.
As obras do artista foram expostas extensivamente em todo o Canadá e internacionalmente, incluindo a Tate Gallery em Londres e Beijing Exhibition Centre, em Pequim. Em 1983, uma turnê retrospectiva internacional de sua obra foi organizada pela Galeria de Arte de Ontário.
Os trabalhos de Alex Colville encontram-se em muitas coleções, incluindo a Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery em Sydney, Nova Escócia, Museu de Arte Moderna em Nova Iorque, o Musée National D'Art Moderne em Paris, o National Gallery of Canada em Ottawa, o Centro Georges Pompidou em Paris, o Wallraf-Richartz Museumin em Colônia e o Kestnergesellschaft em Hanôver, Alemanha.
Em 2002, foi introduzido na Calçada da Fama do Canadá.

Family and Rainstorm, 1955

To Prince Edward Island, 1955

Cycliste on crow

Alphonse Osbert, o pintor do silêncio

Alphonse Osbert (1857 - 1939) foi um pintor francês que estudou na École des Beaux-Arts e nos estúdios de Henri Lehmann, Cormon Fernand e Bonnat Léon. O impacto do impressionismo encorajou-o a aliviar sua paleta e pintar paisagens ao ar livre, tal como nos campos de Eragny. Até o final da década de 1880 ele havia cultivado a amizade de vários poetas simbolistas e do pintor Puvis de Chavannes, que o levou a abandonar a sua abordagem naturalista e adotar o idealismo estético da pintura poética. Abandonando temas da vida diária, Osbert teve como objetivo transmitir visões interiores e desenvolveu um conjunto de símbolos pictóricos. Inspirado por Puvis, simplificou formas da paisagem, que serviram como pano de fundo para  figuras estáticas e isoladas dissolvidas numa luz misteriosa. A técnica pontilhista, emprestada de Seurat, um amigo do estúdio de Lehmann, desmaterializou formas e acrescentou luminosidade.
O ideal Rosacruz de "arte como a evocação do mistério, como a oração" encontra sua melhor expressão na figura virginal da fé, muitas vezes interpretada tanto como Santa Genoveva ou Santa Joana, situada num prado com um cordeiro e enredada em um brilho sobrenatural. Tais trabalhos foram elogiados por escritores simbolistas que o consideravam o "pintor da noite", um "artista da alma" e um "poeta do silêncio" devido a sua evocação de um clima de mistério e fantasia.

Vision, 1892

Esta pintura foi apresentada no Salão da Société Nationale des Beaux-Arts em 1892, antes de ser exposta no segundo Rose+Croix Salon que reuniu a elite dos artistas simbolistas. Uma apresentação posterior do trabalho, em 1899, fornece mais informações sobre a imagem: uma visão de Santa Genoveva, a padroeira de Paris.

Como muitas das pinturas de Osbert, esta usa uma faixa de azuis sem tentativas de realismo e nenhum desejo de ilustrar o papel do santo na defesa de Paris. Diferente da tradicional pintura religiosa, este trabalho, que atraiu muitos comentários de jornalistas e amantes da arte, foi considerado uma ilustração de um estado de alma.

The Muse at Sunrise
1918

Lyricism of the Forest
1883

Berthe Morisot

Berthe Morisot, por Édouard Manet

Berthe Morisot (1841 - 1895) foi uma pintora impressionista francesa.
Iniciou a sua formação com os mestres Chocarne-Moreau e Guichard e prosseguiu sob a tutela do pintor Corot. Também teve aulas de escultura com Millet. No ano de 1863 começou a pintar ao ar livre em Pontoise, onde conheceu os pintores Daubigny e Daumier. A esse período de intensa aprendizagem seguiram-se viagens pela Espanha e Inglaterra. Depois de conhecer Manet, posou para ele como modelo e apaixonou-se por Eugênio, irmão do pintor, com quem se casou. Depois de participar da primeira exposição dos impressionistas, em 1874, a pintora iniciou uma série de viagens de estudo pela Itália, Países Baixos e Bélgica. Suas obras foram apresentadas em 1886 em Nova Iorque, e um ano mais tarde na Exposição Internacional de Paris. A obra de Berthe Morisot representa uma reflexão afirmativa da obra de Manet, embora com pinceladas mais longas e suaves, com tendência para a verticalização, numa tentativa de organizar a composição.




A primeira aparição de Morisot no Salon de Paris veio com a idade de 23 anos em 1864, com a aceitação de duas pinturas. Ela continuou a se apresentar regularmente no Salão, com opiniões favoráveis, até 1873, um ano antes da primeira exposição impressionista.
Em 1874, Morisot casada com o irmão de Manet, Eugene, tiveram uma filha, Julie. Julie Manet se tornou o assunto para muitas das pinturas de sua mãe e um livro de suas memórias: O Diário de Julie Manet, publicado em 1987.
Como impressionista doutrinária, bem como um membro da alta burguesia, Morisot pintou o que ela experimentou em sua vida diária. Ela evitou cenas urbanas e de rua, bem como a figura nua e, como sua colega impressionista Mary Cassatt, focou na vida doméstica e em retratos em que ela poderia usar a família e amigos pessoais como modelos. Pinturas como The Cradle (1872), na qual ela representa tendências atuais para mobília do berçário, refletem sua sensibilidade para moda e publicidade.  Seus trabalhos também incluem paisagens, retratos, configurações de jardim e cenas de barco.

Hanging the Laundry out to Dry, 1875

On The Veranda

Eugene Manet and His Daughter at Bougival, 1881

Carl Larsson

Brita e Eu, auto-retrato com uma das filhas (1895)

Carl Larsson nasceu em Gamla Stan, uma antiga região de Estocolmo, em 28 de maio de 1853. Sua família era muito pobre e Carl cresceu em tristes circunstâncias. O único brilho de esperança era seu forte talento artístico, que apareceu mais tarde em sua vida. Quando ele tinha treze anos seu professor o convenceu a tentar uma vaga na Principskolan, um departamento temporário da Academia de Arte. Durante os primeiros anos na Principskolan, Carl encontrou dificuldade de adaptação. Seu senso de inferioridade social o fez sentir um estranho. Mas quando tinha dezesseis anos, ele foi transferido para uma escola antiga, o mais simples departamento da Academia de Arte. Ele começou a sentir-se mais confiante e não demorou para que se tornasse uma das figuras centrais do círculo de estudantes.
Depois da Academia de Arte, Carl trabalhou na ilustração de livros, revistas e jornais diários. Ele também gastou muitos anos em Paris onde tentou se manter como um artista, mas apesar de todo o seu duro trabalho nunca encontrou sucesso. A reviravolta veio em 1882 quando ele se mudou para Grez, uma colônia escandinava de artistas fora de Paris. E foi lá que ele conheceu sua futura esposa Karin Bergöö e onde houve uma transformação artística, depois de abandonar suas pretensões de pintura a óleo em favor da aquarela – uma mudança de sorte que significaria muito no seu desenvolvimento artístico. E foi em Grez que ele pintou algum de seus trabalhos mais significantes.
Carl e Karin se casaram em 1883 e tiveram oito filhos (um deles morreu com dois meses). Karin e seus filhos tornaram-se rapidamente os modelos favoritos de Carl.
O pai de Karin, Adolf Bergöö, deu a casa Lilla Hyttnäs para Carl e Karin em 1888. O minúsculo chalé de madeira, que foi construído em 1837, tornou-se o centro artístico do pintor. Lilla Hyttnäs, localizado em Sundborn, manteve-se na família Larsson por gerações é agora administrada pela família legítima de Carl e Karin Larsson.

 Larsson ficou famoso por suas pinturas em aquarela, especialmente a coleção de 26 aquarelas encontradas em seu livro Ett Hem (Uma Casa) de 1899, as 32 em seu livro Larssons (Os Larssons) de 1902, e as 31 em seu livro Åt solsidan (O Lado Ensolarado) – todos eles ilustrando a vida simples do campo de sua família e tendo uma enorme influência no design de interior sueco para as gerações seguintes. A seguir algumas dessas aquarelas:

Xi Pan

Xi Pan, que nasceu em Wenzhou, China, começou seus estudos em 1989 na Academia Nacional de Belas Artes em Hangzhou. Um ano mais tarde, foi transferida para a Academia de Belas Artes de Moscou, onde conquistou seu diploma. Desde então, viveu na Europa e nos Estados Unidos trabalhando como artista profissional. Atualmente, vive em Hangzhou, na China.

Xi Pan

 

Robert Dowling Jr.

Robert Dowling Jr cria cenários belíssimos com um toque surreal. O artista autodidata trabalhou inicialmente com tinta acrílica e a óleo, tem o costume de desenhar seus personagens com rostos cobertos ou de costas.
Robert Dowling Jr

Isabelle Planté

Isabelle Planté nasceu em 1949 (França).

No início de sua infância já apresentava vocação para desenho e ganhou uma competição de posteres aos quinze anos, o que fez com que ela resolvesse seguir a carreira publicitária. Aos dezessete anos ela ingressou na ArtScool e posteriormente continuou seus estudos na Arts Décoratifs em Paris. Por dez anos ela trabalhou em publicidade criativa.

Onírico, belo e intrigante.

Isabelle Planté

Morteza Katouzian

Morteza Katouzian nasceu em 1943 em uma família de classe média de Teerã. Tragicamente, Katouzian perdeu o pai aos sete anos de idade, deixando-o aos cuidados de sua mãe e irmão mais velho, na época um estudante de direito do segundo ano. Sem nenhum treinamento formal, ferramentas especiais ou incentivo, fora o constante apoio de sua família, Katouzian passou seu tempo livre desenhando e pintando, lentamente, aprimorando seu talento na solidão. "Quando mostrei minhas pinturas na escola, os professores se recusaram a acreditar que eram as minhas obras originais", declarou Katouzian. Mais tarde, ele começou a trabalhar em uma oficina de pintura local, acabou emergindo como um dos talentos da escola de arte contemporânea iraniana. 

Quatro livros de pinturas de Katouzian já foram publicados e muitos de seus trabalhos foram apresentados como posters. Cinco de suas pinturas estão no Museu de Arte Contemporânea de Teerã, e um grande número delas, nas coleções de iranianos e estrangeiros em diferentes países. 

Um dos fundadores do sindicato dos artistas gráficos nos anos que antecederam a revolução, Katouziane coordenou o conselho por 2 anos. Durante uma de suas exposições - 2008 - com mais de 94 obras, em uma cerimônia magnifíca, ele foi premiado com a citação da UNESCO em relação aos seus 50 anos de atividades no campo da pintura e seus 30 anos de ensino a juventude iraniana. Durante os últimos anos, ele participou de várias exposições coletivas e realizou 4 exposições individuais.

"Eu nunca poderia parar de pintar, o meu coração é como um espelho, refletindo a realidade do mundo circundante."

 Morteza Katouzian website

Sergio Cerchi

O pintor Sergio Cerchi, trabalha no que pode ser chamado quadrant-ism, um estilo único no qual a superfície pictórica real - ao invés de objetos representados - é fraturada e multiplicada com iluminação e coloração diferentes. Os personagens nunca são completamente resolvidos, ou melhor, são constantemente descobertos num processo de reassentamento. Cerchi explora as sutilezas do tempo e da cor, do sombreamento e das camadas. Nenhuma forma é final, nenhuma perspectiva é absoluta, nenhuma cor é completamente explorada e esgotada. Seus temas icônicos, então, assumem bordas misteriosas que o mais fiel realismo nunca poderia definir.

 Sergio Cerchi: website