Autorretratos

Esta coleção reúne autorretratos de alguns dos mais importantes e influentes artistas da história.

Edward Hopper

 Claude Monet

 Carl Larsson

Henri Matisse

Alex Katz

  

Alex Katz (1927 -) nasceu no Brooklyn, Nova York. Em 1928 a família mudou-se para St. Albans, Queens. De 1946 a 1949, ele estudou na Cooper Union em Nova York e, em 1949-1950, estudou na Escola Skowhegan de Pintura e Escultura em Skowhegan, Maine.
Katz admitiu a destruição de mil pinturas durante seus primeiros dez anos como pintor, a fim de encontrar seu estilo. Desde 1950, ele trabalhou para criar uma arte mais livre. Ele tentou pintar "mais rápido do que podia pensar". Suas obras parecem simples, mas de acordo com Katz, elas são reduzidas, o que seria mais adequado à sua personalidade.
Katz é bem conhecido por suas pinturas de grande porte, cuja ousada simplicidade e cores intensificadas agora são vistas como precursoras do  Pop Art. Suas pinturas são definidas por sua planicidade de cor e forma, sua economia de linha e um sedutor desapego emocional. A principal fonte de inspiração são as xilogravuras produzidas pelo artista japonês Kitagawa Utamaro.
A partir dos anos 1950, ele desenvolveu uma técnica de pintura em painéis de corte em madeira e alumínio, chamando-os "recortes".

"Samantha, Joey and Yolanda Kluge," 1976

Alex Katz em seu estúdio

As pinturas de Katz são divididas quase igualmente nos gêneros de retrato e paisagem. Desde 1960 ele pintou pontos de vista de Nova York e as paisagens do Maine, onde passa vários meses por ano, bem como retratos de membros da família, artistas, escritores e protagonistas da sociedade de Nova York. 
No início dos anos 1960, influenciado por filmes, televisão, publicidade e outdoors, Katz começou a pintar em grande escala, muitas vezes com rostos drasticamente cortados. Ada Katz, com quem se casou em 1958, tem sido objeto de inúmeros retratos ao longo de sua carreira.
Depois de 1964, Katz dedicou-se mais a retratar grandes grupos de figuras, e continuou a pintar esses grupos complexos até 1970, retratando o mundo social de pintores, poetas, críticos e outros colegas que o cercavam. Ele começou a desenhar cenários e figurinos para coreógrafo Paul Taylor em 1960, e  pintou muitas imagens de dançarinos ao longo dos anos. One Up Vôo (1968) consiste em mais de 30 retratos de alguns destacados nomes da intelectualidade de Nova York durante o final dos anos 1960, 
Em 1965, Katz também embarcou em uma carreira prolífica em gravura.  Ele passou a produzir muitas edições em litografia, gravura, serigrafia, xilogravura e linóleo. Mais de 400 edições já foram impressas ao longo de sua vida.
O trabalho de Katz está nas coleções de mais de 100 instituições públicas em todo o mundo, incluindo o Museu de Arte de Honolulu; o Museu de Arte Moderna, Nova York; o Metropolitan Museum of Art, Nova York; o Whitney Museum of American Art, Nova York; o Smithsonian Institution, Washington, DC; o Carnegie Museum of Art; o Art Institute of Chicago; o Cleveland Museum of Art; a Tate Gallery, Londres; o Centre Georges Pompidou, Paris; o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; o Metropolitan Museum of Art, Tóquio; o Nationalgalerie, Berlim; e o Museu Brandhorst, Munique.
Em 2010, Anthony d'Offay doou um grupo de obras de Katz para as Galerias Nacionais da Escócia e Tate.
Em junho passado, Katz completou 85 anos. 

Homage to Frank O'Hara: William Dunas, 1972

Blue Umbrella, 1979

Sunset: Lake Wesserunsett 4, 1972

Paul Jacoulet

Paul Jacoulet (1902-1960) nasceu em Paris em 1902 e viveu no Japão durante a maior parte de sua vida. Durante a Segunda Guerra Mundial, mudou-se para Karuizawa, onde ele viveu no meio rural, cultivando hortaliças e criando aves.
Jacoulet é considerado um dos poucos artistas ocidentais com domínio na arte da impressão woodblock, o suficiente para ser reconhecido no Japão. Ele teve uma série de exposições após sua morte, incluindo duas no Pacific Asia Museum em Pasadena (1983 e 1990), o Museu de Arte de Yokohama (1996 e 2003), o Museu Riccar em Tóquio (1982), e da Isla Center for the Arts on Guam (1992 e 2006). Ele também conseguiu algum reconhecimento em vida, incluindo uma exposição patrocinada pela Força Aérea dos EUA (em 1946 segundo a revista Time). O primeiro livro sobre ele foi escrito durante a sua vida (Wells, 1957). Jacoulet era um especialista em Kabuki, proficiente em japones tradicional e instrumentos musicais, um calígrafo bom, fluente em várias línguas, e um colecionador de borboletas reconhecido.
Seu trabalho é amplamente colecionado e representa o ápice na realização técnica da forma de arte woodblock, além disso, demonstra sensibilidade e devoção ao resgate histórico do requinte e do bom gosto através do ressurgimento de estampas japonesas no século XX.
 

Anton Pieck

Anton Pieck (1895-1986) - pintor holandês e artista gráfico.
lustrador de histórias tradicionais como a Branca de Neve, Bela Adormecida e  inúmeros calendários. Trabalhos ricos em detalhes, com vida própria e cores magnificas. Anton Pieck usou óleo, trabalhou com aquarela, gravura e litografia.

M. C. Escher

Maurits Cornelis Escher, nasceu em Leeuwarden na Holanda em 1898 como o quarto filho mais jovem  de um engenheiro civil. Após 5 anos, a família mudou-se para Arnhem, onde Escher passou a maior parte de sua juventude. Não foi um aluno brilhante, nem sequer manifestava grande interesse pelos estudos, mas  seus pais conseguiram convencê-lo a ingressar na Escola de Belas Artes de Haarlem para estudar arquitetura. Foi lá que conheceu o seu mestre, um professor de Artes Gráficas judeu de origem portuguesa, chamado Jesserum de Mesquita. Com o professor Mesquita, Escher aprendeu muito, conheceu as técnicas de desenho e deixou-se fascinar pela arte da gravura. Este fascínio foi tão forte que levou Maurits a abandonar a Arquitetura e a seguir as Artes Gráficas. Depois de terminar a escola, ele viajou pela Itália, onde conheceu sua esposa Jetta Umiker, com quem se casou em 1924. Eles se estabeleceram em Roma, onde permaneceu até 1935. Durante estes 11 anos, Escher viajou por toda a Itália e dedicou-se exclusivamente ao trabalho gráfico. Muitos destes esboços ele usaria mais tarde para diversas litografias e / ou xilogravuras e gravuras em madeira.

Mais tarde, por razões políticas muda-se para a Suíça, posteriormente para a Bélgica e em 1941 regressa ao seu país natal. Estas passagens por diferentes sítios, por diferentes culturas, inspiraram a mente de Escher, principalmente a passagem por Alhambra, em Granada, onde conheceu os azulejos mouros. Este contato com a arte árabe está na base do interesse e da paixão de Escher pela divisão regular do plano em figuras geométricas que se transfiguram, se repetem e refletem, pelas pavimentações. Porém, no preenchimento de superfícies, Escher substituía as figuras abstrato-geométricas, usadas pelos árabes, por figuras concretas, perceptíveis e existentes na natureza, como pássaros, peixes, pessoas, répteis, etc. Escher, sem conhecimento matemático prévio mas através do estudo sistemático e da experimentação, descobre todos os diferentes grupos de combinações isométricas que deixam um determinado ornamento invariante. A reflexão é brilhantemente utilizada na xilografia "Day and Night", uma das gravuras mais emblemáticas da carreira de Escher. 
M.C. Escher, durante sua vida, fez 448 litografias, xilogravuras e gravuras em madeira e mais de 2000 desenhos e esboços. Como alguns dos seus antecessores famosos, - Michelangelo, Leonardo da Vinci, Dürer e Holbein, M.C. Escher era canhoto.

Além de ser um artista gráfico e ilustrador, M.C. Escher criou projetos para tapeçarias, selos postais e murais. Sua arte continua a surpreender e conserva a admiração de milhões de pessoas em todo o mundo. Em seu trabalho, reconhecemos uma minuciosa observação do mundo que nos rodeia e as expressões de suas próprias fantasias. M.C. Escher mostra-nos que a realidade é maravilhosa, compreensível e fascinante.

Wenceslaus Hollar

Hollar nasceu em 1607, filho de um funcionário de classe média alta cívica. Muito pouco se sabe sobre sua vida, mas ele provavelmente aprendeu os rudimentos da sua arte com aproximadamente dezoito anos. Deixou sua cidade natal Praga com a idade de vinte anos, e estudou em Frankfurt com Matthaus Merian. Seu primeiro livro de gravuras foi publicado em 1635, em Colônia, quando Hollar tinha 28 anos. No ano seguinte ele chamou a atenção do colecionador de arte de renome, o conde de Arundel, que estava fazendo uma visita oficial ao continente, e Hollar posteriormente se tornou parte de sua família, instalando-se na Inglaterra no início de 1637. Ele permaneceu na Inglaterra durante o início do período da Guerra Civil Inglês, mas saiu de Londres para Antuérpia, em 1642, onde continuou a trabalhar em uma variedade de projetos. Em 1652 ele retornou à Inglaterra, trabalhando em uma série de grandes projetos para o editor John Ogilby e para o antiquário Sir William Dugdale. Hollar estava em Londres durante o Grande Incêndio de 1666, e suas cenas da cidade antes e depois do fogo são famosas até os dias de hoje. Ele foi um dos mais qualificados gravuristas de seu tempo, o que é ainda mais notável dado que ele estava quase cego de um olho. Hollar morreu em Londres em 25 de Março 1677. Ao fim de sua vida, ele produziu em torno de 2700 gravuras em separado, que incluem vistas, retratos, navios, temas religiosos, temas heráldicos, paisagens, e ainda a vida de muitas formas diferentes. Seus desenhos arquitetônicos, como as de Antuérpia e catedrais Strassburg e suas visões de cidades, estão em escala, mas servem também como fotos. Ele reproduziu obras decorativas de outros artistas, como no cálice famoso após Mantegna.

Coleções quase completas de trabalho de Hollar são mantidas no Museu Britânico e na sala de impressão no Castelo de Windsor.  A obra foi primeiramente catalogada em 1745 (2 ª ed. 1759) por George Vertue. As estampas foram posteriormente catalogadas em 1853 por Gustav Parthey e em 1982 por Richard Pennington. Um novo catálogo ilustrado completo foi publicado na série New German Hollstein. Muito de seu trabalho está disponível online a partir da Universidade de Toronto em sua coleção digital Hollar Venceslau.

Wenceslaus Hollar Coleção online

Os deuses gregos: Ceres - Mitologia Clássica

Esfinge com dois corpos - Mitologia Clássica

Imagens de livros antigos

Mais de 1600 imagens digitalizadas de mais de 100 diferentes livros antigos, a maioria com várias versões de alta resolução e muitos com trechos de texto.

 
Imagens de livros antigos digitalizado, elaborado e publicado por Liam Quin.

Abaixo, algumas ilustrações que podem ser vistas no site.

 A Floresta de Arden por George Wharton Edwards, 

ilustrado pelo autor, (1914)

Holme, Charles: "Old Country Cottages Inglês" (1906)

Peter Milton

Peter Milton é uma força importante no mundo da gravura. Milton, muitas vezes passa um ano ou mais para criar suas imagens grandes, complexas e minuciosamente detalhadas. O artista transmite um significado através de um ambiente contextual de pessoas, lugares e momentos no tempo.

As imagens de Milton com frequência são baseadas em elementos do mundo literário e cinematográfico. Ele cita entre as suas principais influências Ingmar Bergman e Fellini. Com o tempo e a reflexão, uma narrativa em imagens densamente simbólica e historicamente referencial, Milton se desenrola.  Ganhador de numerosos prêmios por suas gravuras, tem um livro publicado intitulado Peter Milton: Imprime Completa 1960-1996, e seu trabalho está exposto em coleções de vários museus.

Davidson Galerias tem uma ótima biografia de Milton e mais exemplos de sua arte.

Cidades escondidas II: Embarque para Citera, 2004

 Pontos de Partida II: Variações Nijinsky (segundo estado), 2006.

Museu da Inconfidência expõe gravuras de Lasar Segall

A Semana de Museus, promovida anualmente nas mais diversas localidades brasileiras, apresentará, em 2011, o tema “Museu e Memória”. O Museu da Inconfidência preparou uma série de atividades para o período, de 13 a 22 de maio. A abertura, na sexta-feira (13), fica por conta da inauguração da mostra Lasar Segall – Imagens do Brasil, a partir das 20h30min na Sala Manoel da Costa Athaide (Rua Vereador Antonio Pereira, 33, Centro Histórico).

A exposição é resultado de parceria do Museu da Inconfidência com o Museu Lasar Segall, SP, que emprestará 35 gravuras, e o Museu Nacional de Belas Artes, RJ, de onde virão uma escultura e uma tela. As obras abrangem o período de 1924 a 1930, época de grande concentração de imagens do Brasil na obra de Segall, inclusive na sua produção gráfica.

20 anos do clássico Edward Mãos de Tesoura

Para comemorar o aniversário de 20 anos do clássico filme Edward Mãos de Tesoura - Tim Burton -  estrelado por Johnny Deep e Vinona Ryder, o artista Seb Mesnard criou um blog onde pediu a artistas talentosos de todo o mundo trabalhos inspirados na história de seus personagens. A exposição destaca as obras de mais de 40 artistas, em vários tipos de mídias diferentes, incluindo pinturas, desenhos, gravuras e esculturas.

Seb Mesnard

Obras-primas da Gravura Americana

Os artistas que viveram entre 1900-1950 enfrentaram um período tumultuado da história americana, sofrendo os efeitos devastadores das duas guerras mundiais e da Grande Depressão. A arte norte-americana desta época, por várias décadas, foi considerada maçante e até deprimente, as obras de gravadores americanos em particular, foram ignorados, negligenciados, e até mesmo destruídas.

Hoje, somos capazes de ver estes trabalhos com renovada apreciação e compreensão.

American Fine Prints - Obras-primas da Gravura Americana - 1900-1950.

Eugene Fitsch

Broadway Night (Times Square) 1932, Lithograph.

Hiroshi Yoshida - Shin Hanga

Hiroshi Yoshida (1876 - 1950) é uma das principais figuras da gravura japonesa após o fim do período Meiji (1912). Utilizava técnicas de xilogravura e seguiu uma vertente artística que ficou conhecida como shin hanga.

Pérolas da cultura oriental.

 

 

O aparecimento das estampas Shin Hanga.

Os precursores

O movimento que viria a ser conhecido como Shin Hanga (ou Nova Estampa) vai buscar os seus fundamentos artísticos à obra dos grandes grandes artistas da era Meiji (1868-1912). 

No campo da paisagem o mais assinalavel precursor será, sem dúvida Kobayashi Kiyochika (1847-1915). Ao que parece nunca seguiu a aprendizagem clássica junto de um mestre estabelecido, mas recebeu conselhos de um aguarelista inglês, Charles Wirgman. Contrariamente aos hábitos da época, trabalhava ao ar livre, e esboçava as paisagens em pequenos cadernos. Dois destes cadernos chegaram até nós. 

Os desenhos e as aguarelas que Kiyochika realizou mais tarde lembram sem desprimor as últimas séries de estampas do seu célebre precursor Utagawa Hiroshige (1797-1858). No entanto, desde as suas primeiras paisagens horizontais que Kiyochika protagonizou uma verdadeira ruptura na tradição, continuada com as aguarelas do seu aluno Inoue Yasuji (1864-1889), prematuramente desaparecido. Ambos  anunciam as obras dos grandes artistas Shin Hanga: Kawase Hasui e Hiroshi Yoshida.

No que se refere ao retrato feminino as raízes do movimento Shin Hanga devem ser procuradas na obra de Chikanobu Toyohara (1838-1912), e em particular na sua série Shin Bijin (Novas Beldades), de 1897. Na realidade o período que vai da década de 1890 até ao final da era Meiji  pode ser considerado como uma época de transição, que marca a passagem dos gravadores tradicionais do ukiyo-e aos mestres da Nova Estampa. Os representantes mais importantes deste período de transição são Kaburagi Kiyokata, Kajita Hanko e Takeuchi Keishu. Todos realizaram ilustrações de livros, em particular kuchi-e (frontespícios de romances e novelas). Os seus desenhos e as suas gravuras propõem uma imagem romântica da sociedade, nomeadamente através da utilização de cores doces e suaves.

Eram todos pintores da mulher e da sua beleza, os seus temas favoritos eram os lugares de elegância e de prazer, o cerimonial do chá, e as “casas verdes”. É neste período que o nu e o seminu se tornam os assuntos preferidos dos amadores. As estampas de “beldades” conheceram muito rapidamente um grande sucesso, nomeadamente nos Estados Unidos. Aquando das vendas em leilões pagavam-se preços consideráveis pelas estampas com fundo em mica de Goyo e Shinsui.

Os retratos de atores

As estampas representando paisagens, flores ou pássaros, e, sobretudo, “beldades” desenvolveram-se gradualmente desde a era Meiji (1868-1912) até ao início da era Taisho (1912-1926). Aconteceu o mesmo aos retratos de atores do teatro kabuki.

Os artistas do primeiro quarto do século XX inspiraram-se nas obras de Sharaku, de Kunimasa ou de Toyokuni, anteriores em cerca de cento e vinte anos. Tal como os seus predecessores preferiram os okubi-e, estampas representando apenas a cabeça e a os ombros, em grande plano, dos atores de kabuki mais populares.

Afim de reforçar o efeito dramático das feições, os desenhistas Natori Shunsen, Yamamura Koka (conhecido pelo nome artístico de Toyonari) ou, ainda, Yoshikawa Kanpo utilizaram frequentemente os fundos com mica.

As suas obras caracterizam-se pelo seu despojamento, que se revela na escolha de cores puras, na recusa do modelado e do claro escuro, na ousadia do recorte e da perspectiva. Se os gravadores em madeira japoneses conseguiram exprimir-se forma completa com o mínimo dos meios é porque, para lá do amor pelos bens materiais e do respeito pelos bons utensílios, souberam ver o mundo com um olhar novo, comungar com a natureza e transpô-la nas suas “imagens de um mundo que flutua”.

Fonte: http://www.man-pai.com